As primeiras cenas de um filme têm uma missão quase impossível: nos fisgar, definir o tom e apresentar os riscos, tudo em questão de minutos. É um desafio
As primeiras cenas de um filme têm uma missão quase impossível: nos fisgar, definir o tom e apresentar os riscos, tudo em questão de minutos. É um desafio enorme, mas alguns diretores fazem parecer fácil, nos agarrando desde o primeiro frame e nos mantendo presos até o final. E quando o resto do filme não consegue alcançar esse começo quase perfeito? Bem, pelo menos a abertura já valeu a pena!
As maiores aberturas de filmes estabelecem personagens, atmosfera e tema com uma precisão impressionante. E é nelas que vamos focar hoje! Prepare-se para uma viagem por diferentes gêneros e estilos, com sequências que marcaram a história do cinema e servem como verdadeiras teses para seus respectivos filmes. Pegue a pipoca e vem comigo!
“Qual é o seu filme de terror favorito?” Wes Craven revolucionou o slasher com “Pânico”, e sua cena de abertura continua sendo uma das mais chocantes do gênero. Drew Barrymore, a estrela mais famosa do elenco na época, foi vendida como a protagonista, apenas para ser brutalmente assassinada nos primeiros 15 minutos (uma baita referência a “Psicose”, hein?). A sequência é uma aula de suspense: um telefonema que começa de forma divertida se transforma em algo aterrorizante, com a voz anônima testando Casey sobre filmes de terror e ameaçando sua vida a cada resposta errada.
A cena culmina no assassinato de Casey e seu namorado, com o corpo dela pendurado em uma árvore. A mistura de autoconsciência e terror genuíno revitalizou o gênero, provando que slashers ainda podiam chocar nos anos 90. É impressionante como Craven, décadas depois de ajudar a criar o gênero, conseguiu inovar de forma tão significativa. Uma abertura que subverte expectativas e prepara o terreno para tudo o que está por vir.
“Vocês são cidadãos americanos?” “A Marca da Maldade”, de Orson Welles, começa com um dos mais deslumbrantes planos sequência já filmados. A câmera desliza por uma movimentada cidade fronteiriça mexicana enquanto seguimos um carro com uma bomba-relógio escondida no porta-malas. Por três minutos ininterruptos, Welles constrói uma tensão insuportável enquanto o veículo se move pela multidão e cruza a fronteira, com o público esperando a inevitável explosão. É suspense através da duração, imersão através do movimento.
Quando a bomba finalmente explode, é o catalisador para toda a história de corrupção, crime e decadência moral que se segue. O plano sequência se tornou lendário, inspirando inúmeras homenagens e análises, mas sua genialidade está em como ele combina espetáculo com narrativa. Desde o primeiro frame, “A Marca da Maldade” anuncia que o público está nas mãos de um mestre. Críticos podem não ter apreciado tudo isso no lançamento, mas o filme foi reconhecido como um dos maiores filmes noir do gênero.
“Eu realmente pareço um cara com um plano?” “Batman: O Cavaleiro das Trevas” não perde tempo em mergulhar o público no caos, abrindo com um assalto a banco que parece familiar e eletrizantemente novo. Filmada em IMAX, a sequência acompanha criminosos mascarados enquanto eles roubam metodicamente um banco de Gotham, cada um traindo o outro até que reste apenas um: o Coringa. A revelação do rosto pintado de palhaço de Heath Ledger, combinada com sua primeira frase arrepiante, “O que não te mata, te torna… mais estranho”, instantaneamente consolidou a performance como icônica. O personagem continua a pairar sobre todos os vilões do cinema desde então.
A cena funciona em vários níveis. É uma sequência que poderia ser um curta-metragem perfeito, mas também desempenha um papel dentro da narrativa maior. Ela estabelece não apenas a astúcia implacável do Coringa, mas também a mistura do filme de realismo de thriller policial e grandiosidade de histórias em quadrinhos. A escolha de Nolan de abrir com espetáculo e pavor criou uma introdução inesquecível ao conflito central do filme, elevando o nível para a narrativa de super-heróis.
“Posso tomar um copo do seu delicioso leite?” “Bastardos Inglórios” abre com uma cena magistral, de queima lenta e focada no diálogo. Em uma fazenda francesa tranquila, o Coronel da SS Hans Landa (Christoph Waltz) trava uma conversa aparentemente educada com um fazendeiro local (Denis Ménochet), apertando gradualmente o nó enquanto revela que suspeita que judeus estão escondidos sob o assoalho. A atuação de Waltz é hipnotizante, charmosa, sinistra e metódica, e Tarantino aproveita cada pausa, cada sorriso, para esticar a tensão até o ponto de ruptura.
Quando os soldados de Landa finalmente abrem fogo, a violência é chocante, mas inevitável, a liberação de quinze minutos de suspense insuportável. É uma das cenas de abertura mais perfeitamente executadas do século. Ela prepara todo o arco de Shoshanna (Mélanie Laurent), ao mesmo tempo em que nos diz tudo o que precisamos saber sobre nosso antagonista: ele é extremamente inteligente, verbalmente fluente e profundamente volúvel, sempre três passos à frente de seus oponentes. Ela estabelece o tom do filme também: a história será reescrita, mas com não menos escuridão.
“Limpar a rampa! Trinta segundos!” “O Resgate do Soldado Ryan” abre com talvez a sequência de batalha mais terrível já filmada: o desembarque do Dia D na praia de Omaha. Por quase trinta minutos, o público é mergulhado no caos enquanto os soldados enfrentam a surf sob fogo implacável, corpos dilacerados ao seu redor. O trabalho de câmera com a câmera na mão, as cores dessaturadas e a paisagem sonora ensurdecedora colocam o espectador diretamente no terror do combate, eliminando qualquer romantismo da guerra. Ouvidos tocam, sangue espirra na lente de uma câmera, um soldado em choque corre pela areia carregando seu braço decepado.
Tom Hanks ancora toda essa carnificina como o Capitão Miller, sua perspectiva atordoada espelhando a luta do público para processar tudo. Esta sequência vai muito além de ser uma cena de ação: é um ataque aos sentidos, um lembrete visceral do custo da guerra. Estabeleceu um novo padrão para o realismo em filmes de guerra. Antes mesmo que a história comece, Spielberg força o público a vivenciar o campo de batalha mais traumático da história.
“Jogue-me o ídolo, eu te jogo o chicote!” Spielberg ataca novamente. Poucas aberturas são tão emocionantes ou icônicas quanto a introdução de Indiana Jones em “Os Caçadores da Arca Perdida”, o filme de ação e aventura seminal. A sequência segue nosso herói empunhando o chicote (Harrison Ford) enquanto ele navega por um templo cheio de armadilhas para recuperar um ídolo de ouro, apenas para ser traído por um companheiro e perseguido pela famosa pedra rolante. Em menos de dez minutos, Spielberg e Ford criam um personagem totalmente formado: engenhoso, ousado, moralmente complexo e constantemente em apuros, um velho personagem de quadrinhos de aventura trazido à vida de forma vívida.
As sequências são perfeitamente encenadas, cada armadilha mais perigosa que a anterior, culminando em um dos momentos de ação mais famosos da história do cinema. Esta abertura é aventura pura destilada, anunciando Indiana Jones como um ícone instantâneo e definindo o tom para uma franquia construída em espetáculo e charme. É uma lição de introdução de personagens, estabelecendo as falhas e os pontos fortes de Indy com clareza e estilo.
“Ninguém nunca assalta restaurantes. Por que não?” Tarantino reinventou o cinema de crime com “Pulp Fiction”, e sua cena de abertura é um microcosmo perfeito de seu estilo. Em um restaurante, um casal (Tim Roth e Amanda Plummer) debate os méritos de roubar restaurantes em vez de bancos. O diálogo é espirituoso, sinuoso e absurdamente engraçado, até que de repente se torna violento quando a dupla se levanta e declara um assalto. A cena termina no meio de um grito, com Tarantino cortando para os créditos e surf rock, deixando o público divertido e perturbado. A partir deste momento, você sabe que está assistindo algo especial.
A abertura mistura o mundano com o chocante, o cômico com o perigoso, de uma forma que só Tarantino poderia. É uma declaração de intenções: o filme será imprevisível, elegante e violento, com diálogos tão afiados quanto qualquer tiroteio. Quando a cena retorna na conclusão de “Pulp Fiction”, que dobra o tempo, já se tornou um dos momentos definidores do cinema moderno.
“Don Corleone, me faça justiça.” “O Poderoso Chefão” não abre com tiros, mas com um monólogo silencioso e arrepiante. “Eu acredito na América”, diz o agente funerário Bonasera (Salvatore Corsitto), enquanto a câmera lentamente se afasta para revelar Don Vito Corleone (Marlon Brando) ouvindo na sombra. A justaposição é impressionante: um pedido de justiça em um tribunal negado, contrastado com a garantia silenciosa de justiça fora da lei. A presença de Brando domina a cena, sua voz rouca e seus maneirismos instantaneamente icônicos.
O ritmo paciente de Coppola define o tom do filme. Esta será uma história de poder, família e a linha tênue entre legitimidade e crime. Os temas estão todos aqui: o lado sombrio do sonho americano, as falhas do sistema, a complexidade do código da máfia. A cena pode não ser chamativa, mas é lendária por sua atmosfera, estabelecendo Corleone como um homem de imensa autoridade e ameaça silenciosa. A frase “Você nem pensa em me chamar de ‘Padrinho'” instantaneamente se tornou famosa.
“Estamos perdidos.” Depois que o texto amarelo desaparece no espaço, “Star Wars: Uma Nova Esperança” nos dá uma perseguição: uma pequena nave rebelde perseguida pelo colossal Destróier Estelar que se estende pela tela. A pura escala das imagens era revolucionária na época, anunciando a ópera espacial de George Lucas como algo sem precedentes. O que se segue (stormtroopers invadindo a nave, a entrada imponente de Darth Vader) consolida o tom de aventura e ameaça. Desde então, tivemos “Rogue One” preenchendo as lacunas e fornecendo ainda mais contexto.
Esta abertura equilibra perfeitamente espetáculo com narrativa, entregando uma tonelada de informações da trama de uma forma que parece orgânica e divertida. O público entende instantaneamente os riscos, a rebelião contra a tirania e o poder aterrorizante do Império. Desde a primeira explosão da trilha sonora de John Williams até a visão da capa de Vader, “Star Wars” se estabeleceu como mito em movimento. É uma cena de abertura que divide todo o cinema de ficção científica em “antes” e “depois”.
“Entrem, a água está ótima!” Com “Tubarão”, Spielberg adota uma abordagem contida em vez de extravagante. Em vez de nos mostrar o tubarão diretamente, temos apenas uma vaga sugestão. Uma jovem vai nadar tarde da noite, sem saber do perigo que espreita abaixo. Enquanto ela se diverte, o tema de duas notas agora lendário de John Williams começa, crescendo mais rápido à medida que o predador invisível se aproxima. O ataque é brutal, caótico e aterrorizante, mas o próprio tubarão permanece oculto, deixando a imaginação fazer o trabalho.
Essa abordagem foi em parte devido aos limites técnicos do tubarão animatrônico, mas ainda funciona incrivelmente bem, provando que a sugestão pode ser mais assustadora do que qualquer efeito especial. A cena sozinha garantiu o lugar do tubarão no panteão dos monstros do cinema e deixou um bom número de espectadores aterrorizados em entrar na água. É uma abertura perfeita porque encapsula o poder do filme: medo primal, suspense construído através do som e da edição, e horror nascido do que não podemos ver.
